El comienzo de todo... Claude Monet

Claude Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Con 15 años ya vendía caricaturas y se le conoció por bosquejos de barcos. Como en sus primeros años estuvo cerca del agua, este 

elemento influyó más adelante en sus obras.

Caricatura del notario Léon Marchon,
 1855/1856, Art Institute of Chicago

En 1859  ya había decidido comenzar a ser artista y para ello pasó largas temporadas en París. En la década de 1860 se relacionó con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que luego fueron impresionistas: Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Gracias a la influencia de estos autores sus obras hasta la mitad de la década de 1860 son de estilo realista. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales, logró exponer algunas de ellas en el Salón de París. Estas obras pertenecen al realismo pictórico del cual se fue alejando.

   

Camille con vestido verde, 1866, Kunsthalle Bremen

 A finales de la década de 1860 comienza a pintar obras impresionistas. Un ejemplo es la vista del puerto de El Havre títulada Impresión, sol naciente, que le dio más tarde nombre al movimiento. Pero, a medida que su estilo evolucionaba, Monet ignoró los convencionalismos artísticos tradicionales por  una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. Así le dio la espalda a una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. Esta desviación del gusto de la época, empeoró su situación económica. Un ejemplo de esto son los cuadros sobre la Grenouillère(en el museo d’orsay, parís y museo 

metropolitano de Nueva York)

La Grenouillère-1869

75 × 100 cm, óleo sobre lienzo

Metropolitan Museum of Art en Nueva York

En la década de 1870 expuso sus cuadros en exposiciones de arte impresionista donde también estaban Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas, fueron organizadas por artistas impresionistas para atraer al público. Ellos se llamaban independientes, aunque la prensa los denominó  burlonamente impresionistas por el aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y por una obra de Monet llamada Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). En este período sus composiciones poseen una estructura libre, aplica el color sin mezclar sobre un lienzo con una capa de blanco puro, esto hacia que hubiera más luminosidad y que aumentara la apariencia rota y sin armonía. Daba pinceladas visibles y poco definidas, esto se debe a la rapidez e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar la naturaleza. Su estilo se caracterizaba por la luz y la paleta colorista la cual utilizó para captar los efectos ópticos de la luz sobre un paisaje o una panorámica urbana.

Impresión, sol naciente-1873

48 × 63 cm, óleo sobre lienzo

Museo Marmottan Monet en París

En la mayor parte de su carrera, Monet vivió en la pobreza, sus obras, al igual que las de otros artistas no seguían el estilo clásico preferido por el públicoy fueron ignoradas por los compradores. Tras la guerra franco-prusiana en 1871 los precios subieron y hasta algunos obras impresionistas consiguieron venderse a precios altos. El mercader de arte Paul Durand-Ruel, compró durante años obras de Monet y otros artistas rechazados. No pagaba mucho, pero esto permitía vivir a Monet. Pero en 1873 Durand-Ruel retiró su apoyo a los impresionistas por la crisis económica francesa, que afectó al mercado de arte.

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, como a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. Algunos ejemplos de esta época son El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el maestro del impresionismo, alcanzó un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar del colorido y  la simplicidad de sus composiciones, se le valoró por su perfección y por no sacrificar la complejidad de la naturaleza ni la intensidad de sus sentimientos.

• El deshielo en Vétheuil, 1881
• Óleo sobre lienzo, 60 x 100 cm
• Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

En 1890 adquirió una propiedad en  Giverny, cerca de París, donde se estableció, allí construyó un jardín—un estanque con nenúfares con  un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-que luego utilizó como modelo en sus obras. En esta casa le visitaron importantes coleccionistas como Matsukata Kojiro y tuvo un mayor reconocimiento.Su situación económica mejoró en esta época ya que Durand-Ruel reinició su apoyo a los impresionistas

Puente japonés
1899-1900

Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la estación de Saint-Lazare, el Sena— mostrando  luces  a distintas horas del día, condiciones meteorológicas o estaciones del año. Otra de estas series y una de las más conocidas es la de la Catedral de Ruán.

La Catedral de Rouen-1894 

Museo Pushkin de Moscú

     En 1906 inspirado en el jardín de Giverny comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En esta época Monet estaba casi ciego pero aún así esta serie es la culminación de su arte, en ella abandona la figura humana y recrea la naturaleza de forma distorsionada por su enfermedad, por ello 

resultaban obras de gran formato con un estilo suelto y un aspecto abstracto con intensidad.

Los Nenúfares-1920

200 × 427 cm, óleo sobre lienzo

National Gallery en Londres

A pesar de que la vista le fallaba, continuó pintando casi hasta su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

Estilo

Fue el pintor más puramente impresionista. Llevó al máximo la expresión de los estados transitorios de la luz natural y en su obra el factor dominante es el esfuerzo por incorporar una nueva visión, sobre todo el carácter de la luz. De  los impresionistas, Monet fue el que más practicó el pleinerismo, es decir el plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también aire libre). Gracias a la invención de nuevos óleos y temperas en la Revolución Industrial Monet fue un gran paisajista, ya que con estas nuevos materiales puede pintar al aire libre sin que se sequen u se oxiden. Aunque  también se requería el genio para la pintura del plen-air, el cual poseía Monet. Al aire libre pudo observar y plasmar rápidamente los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por eso que su obra posee una vitalidad llena de armonía.

Lo más destacado en su obra fue que captaba muy bien la luz cambiante y transformada. Trabajó directamente con la naturaleza y algunos de los últimos murales que realizó, son muy abstractos por sus formas flotantes y los reflejos de las superficies.

Influencia

Monet y su obra fueron una fuente de inspiración para otros impresionistas y para otros artista vanguardistas del SXX, además influenció en otros como Kandinsky o el francés Jean Fautrier , además fue visto por la crítica como un visionario y su importancia fue decisiva en el desarrollo de la abstracción. Su influencia se extiende incluso a la literatura.

                                                                                                                                                                                                                     

El pensador

El pensador

En el año 1880, se le fue encargado a Auguste Rodin por el estado francés realizar un relieve para decorar la entrada del Museo de Arte Decorativa de Paris que iban acrear, aunque luego tal museo nunca existió.

Esta escultura estaría basada en la Divina Comedia. Cada una de estas esculturas, que nunca llegaron a ocupar el sitio para el que habían sido creadas, pretendian representar a cada uno de los personajes de la Divina Comedia, no obstante de este encargo surgieron piezas que de forma independiente se transformaron en iconos de las esculturas modernas como son:

El pensador            

El beso

La eterna primavera

El pensador es una de las obras más importantes de Auguste Rodin, aunque inicialmente este no fue su nombre, sino “el poeta”, para despues llamarsa “Dante el pensador” pues esta pieza fue creada para estar en medio de una seria de esculturas de condenados, meditando su destino. Busca representar a Dante, personaje de la Divina Comedia, frente a las puertas del infierno, que es como llamó al portal del que formaría parte. Es un desnudo puesto que Rodin quería crear un figura heróica al estilo de Miguel Ángel para representar el pensar y la poesía.

Esta escultura fue modelada primero en yeso en 1880. La primera escultura a escala se creo definitivamente en 1902 y esta fundido en bronce, aunque no fue publicada hasta el año 1904. Pero ahora existen más de veinte versiones del pensador en todo el mundo, unas entan ampliadas y en otras cambian sus proporciones

La obra presenta el gusto del autor por lo no acabado. Rodin dijo de esta: “un hombre desnudo sentado sobre una roca (...) su cabeza sobre su puño, preguntandose. Pensamientos fétiles lentamente nazen de su mente. Él no es un soñador. Él es un creador.”

ANÁLISIS  DE LA ESCULTURA

La escultura presenta a primera vista una actitud de meditación, mientras es personaje permanece impertubable dando a entender que se encuentra sumido en las profundidades de sus pensamientos librando una batalla entre ellos. Simboliza un acto transcendental de un hombre pensando por toda la humanidad, y ese mismo acto de pensar eleva al hombre por encima de los animales. Por lo que esto significa la luz del primer pensamiento.

En la escultura representa superficies rugosas y con un juego de luces acrecenta ese aspecto de erosión.

El pensador además de estar en una actitud de meditación, representa tambien una tensión y esto se puede en que no tinene una postura relajada, a pesar de estar sentada, lo que se puede ver claramente un  ejemplo para demostrarlo es que ambos brazos se descansan sobre la misma pierna.

 Rodin realza su escultura con un juego de luces y sombras porque según él con la luz es con lo único que se puede obtener la profundidad en la escultura. Esta escultura debe ser estudiada en función de la luz en las superficies rugosas, contra las que se tropieza, produciendo estas una serie de sombras, que nos muestran un espíritu inquieto.

Auguste Rodin

Auguste Rodin nació en Paris el 12 de noviembre de 1840 y murió en Meudon el 17 de noviembre de 1917. Fue un escultor francés de la corriente impresionista dentro del movimiento contemporáneo. Es considerado uno de los mejores escultores  del siglo XIX y principios del siglo XX uno de los motivos de esto, es que dota a su trabajo de una gran fuerza psicológica, lo cual lo expresa a través de modelo y la textura. Por otro lado rompe con la mímesis* en las artes tridimensionales, dando a la vez un nuevo rumbo al concepto del monumento y escultura pública. Por ello es denominado como el “primer moderno”

*La mimesis es la denominada imitación de la naturaleza en el arte clásico, tomado como un fin esencial.

Estudió en una escuela pública para artesano, la escuela de artes decorativas de Paris, arte alejado y menospreciado de las bellas artes. Después también estudió por su cuenta en Louvre, al ser rechazado por el colegio de bellas artes y acumuló conocimientos en anatomía que se ven claramente reflejados en sus esculturas dotándolas de un espectacular realismo, claro ejemplo de esto en su escultura la edad de bronce de la cual se admiró su gran perfección ya que parecía sacada directamente del cuerpo del modelo, algunos le acusaban de ello, pero gracias a amistades influyentes como Edgar Vegas salió de las disputas victorioso y con un gran fama, que le colocó entre los artistas más importantes.

Rodin durante muchos años años trabajó para otro escultores y colaboró en la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la bolsa de bruselas

En Italia se sintió atraído por la forma de usar el movimiento y la acción muscular de los escultores del renacimiento Donatello y Miguel Ángel. Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación del 

estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba la anatomía de forma sutil.

Su escultura se dividió en dos tipos distintos: la primera, a la que denominó "alimentaria", era la escultura decorativa de la cual vivía y, como su nombre indica, se alimentaba a sí mismo y a sus amantes y la segunda, más popular y transgresora, es conocida como su obra pura y trascendente en la historia del arte occidental.

Para Rodin el artista no debía limitarse por el modelo, es decir, no debía se esclavo del modelo, sino que era el artista el que escogía, el objeto a representar y haciendo uso de su imaginación era capaz de modificarlo y crear una imagen nueva a los ojos del mundo. El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, antes Rodin elaboraba sus piezas en yeso: vaciaba el yeso, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

Sus obras más relevantes son (aparte de la edad de bronce):

El hombre de la nariz rota

La catedral

El monumento a Balzac

El torso

Las puertas del infierno

El pensador

El beso

Las tres sombras

La burguesía de caláis

LA TORRE EIFFEL, un impresionante monumento

Sobre la torre…..

La torre Eiffel fue construida para la Exposición Universal de 1889, celebrada para la conmemoración del centenario de la Revolución Francesa. La  inmensa torre de 325 metro en la actualidad, fue pensada por los ingenieros Maurice Koechlin y Émile Nouguier, y construida por Gustave Eiffel y su compañía. Su construcción duró nada más ni nada menos que 2 años, 2 meses y 5 días, comenzando el 28 de enero de 1887 y finalizada en marzo de 1889.

Durante 40 años llevó el título de ‘’la estructura más alta del mundo’’ hasta la construcción del Edifio Chrysler, en Nueva York. Al principio, la obra fue un éxito, pero con el tiempo las cosas empeoraron. El gobierno, del cual pasó a formar parte la torre después de 20 años, quería destruir la obra cuando Eiffel hizo instalar una estación  meteorológica y, más adelante, una antena telegráfica, lo que aportó beneficios militares.

Después de los años 60 se convirtió en un atractivo turístico, pasando a ser en 2006 el monumento más visitado del mundo.

La estructura de la Torre Eiffel

La torre, compuesta por  más de 18.000 piezas de hierro con 2 millones y medio de bulones, pesa unas 10.100 toneladas. Los cimientos alcanzan los 30 metros de profundidad, debido a la proximidad con el río y la naturaleza del subsuelo. Está compuesta de tres niveles y 1665 escalones en total para los dos primeros niveles, y al terceso el acceso se hace obligatoriamente por un ascensor.

BASE

Los pilares reposan sobre una capa de hormigón de 2 metros  que, a su vez, reposa sobre un acama de grava de 7 metros de profundidad. Los arcos se sitúan a 39 metros sobre el suelo, con un diámetro de 74 metros y tienen la función de endurecer la estructura de la base.

EL PRIMER NIVEL

Este nivel está situado a 57 metro de altura sobre el suelo y su superficie s de 4.200 metros. En este nivel encontramos una oficina de correos, una sala de recepciones y conferencias ‘’Gustave Eiffel’, un restaurante’, una tienda de recuerdos, una exposición con fotos del monumento y una galería desde la cual se pueden tomar fotos de París.

EL SEGUNDO NIVEL

Está situado a 115 metros del suelo, teniendo una superficie de 1.650 metro cuadrados donde tenemos otro restaurante, tiendas de recuerdos y las panorámicas de la ciudad.

EL TERCER NIVEL

El tercero se sitúa a los 276 metros del suelo, con una superficie de 350  metros cuadrados. Este nivel tiene una recreación del lugar de trabajo de Gustave Eiffel, además de unas vistas increíbles.

Aquí tenemos las etapas de la costrucción de la Torre Eiffel: 

CAMILLE PISSARRO, un artista que nunca perdió su fé en el arte

Autorretrato

SU VIDA

Jacob Abraham Camille Pissarro, conocido como Camille Pissarro dedicó sus 73 años de vida a la pintura (10 de julio de 1830- 13 de noviembre de 1903).

Nació en Santo Tomás (Islas Vírgenes) pero a los 12 años viajó a París con el fin de realizar sus estudios, descubriendo aquí el amor por el arte. De regreso, su padre le prohibió estudiar arte, así que durante un tiempo trabajó en el comercio de su familia, realizando mientras bocetos de la Isla. En 1852 abandonó su hogar y viajó a Caracas, donde fue ayudante del pintor Fritz Melbyl. Allí se dedicó a la pintura, realizando paisajes y escenas costumbristas. Después se trasladó a París en 1855 donde estudió en la Escuela de Artes. Allí hizo amistades con pintores como Camille Corot, Monet, Guillaumin  y Cézanne. Después viajó a Londres, donde coincidió con Monet. Los dos hicieron estudios de edificios envueltos en nieblas.

Cuando volvió a Francia fundó el grupo de impresionistas formado por pintores como Manet, Monet, Sisley, Renoir y Guillaumin. Pissarro es el único que participó a todas las exposiciones celebradas, que fueron 8 en total.

Pissarro se refugió en Inglaterra durante la Guerra Franco-prusiana, mientras que los alemanes ocupar su casa y destruyeron todas sus pinturas. Allí estudió el arte inglés y los paisajes de William Turner.

Durante su vida también fue profesor, y entre sus alumnos destacan Paul Gauguin, su hijo Lucien Pissarro y Mary Cassatt (pintora estadounidense).

Pissarro tuvo que esperar hasta los 70 años para lograr el respeto y la admiración de los críticos europeos y aunque vivió casi toda su vida (hasta los 63 años) perseguido de las penurias financieras nunca perdió fe en el nuevo arte.

 El era su único crítico y hacía oídos sordos a las opiniones de los demás.

SU ETILO Y SUS OBRAS

Pissarro pintó hasta el año 1866 con gama sobria, a la manera que prevalecía entre los pintores influidos por Corot y Courbet. Esta época es como su manera negra de pintar, ya que los colores predominantes son los verdes austeros y grises sombríos. Gracias a Manet, Pissarro poco a poco fue dejando esta época, pasando a utilizar plena luz y yuxtaposición de colores.

A este artista no le interesaba seguir la corriente clásica establecida por los académicos de su época, sino pintaba según le gustaba. Desarrolló una técnica de pincelada libre  e infantil para algunos expertos.

Los castaños en Osny, 1873

En la década de 1880 se desanimó con su trabajo y experimentó el puntillismo, que consistía en lograr las formas mediante el uso de pequeñas gotas de color que se yuxtaponían, pero fue criticado por sus amigos pintores, lo que le hizo volver al Impresionismo.

 La calle Saint-Honoré después del mediodía, 1897

Duret lo definió como el ‘’pintor de la naturaleza rústica’’ ya que Pissarro mostró  preferencia por los temas relacionados con la vida rural y natural. Pintó la vida rural francesa. Nunca buscó motivos raros, horizontales o embellecer las cosas por lo cual el público consideraba sus obras vulgares y groseras, porque no podían comprender el encanto de la sencillez natural. 

El bosque de Marly, 1891

Debido a  que su  enfermedad ocular empeoró, se vio obligado abandonar la pintura al aire libre y pasar a las escenas urbanas, interiores, domésticos y asuntos semejantes. Primero se trasladó a  Ruán y después a París. En las dos ciudades Pissarro pintó maravillosas vistas de las ciudades.

Boulevard Montmartre: Al Atardecer, 1897

Entre las obras más importantes de Pissarro tenemos: 

Los tejados rojos, 1877

El jardín de Pontoise, 1877

Primavera en Pontoise, 1877

La luz de Sorolla

Durante las primeras décadas del SXX Joaquín Sorolla fue considerado el maestro español de la luz. Mientras que los impresionistas franceses practicaban su pintura al aire libre en los alrededores de París y en las orillas del Sena, él utilizó recursos impresionistas al pintar motivos de su entorno natal en las costas del Mediterráneo. La diferencia estaba en la aplicación de la luz. 

Joaquín Sorolla fue un pintor español que nació en Valencia el 27 de febrero de 1863, se formó en su ciudad natal con el escultor Capuz y más tarde estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos junto a pintores como Manuel Matoses, Benlliure o Guadalajara. Dominaba la pintura histórica, de los Salones y concursos oficiales de la época. Más tarde también estudió las obras del Museo del Prado. 

Marina (1880), primera etapa de Sorolla,

cuando aún no había acabado su formación académica.

Por su obra El crit del palleter sobre la Guerra de la Independencia le concedieron una beca para vivir y estudiar en Roma de 1884 a 1889, donde conoció el arte clásico y renacentista y los grandes museos, contactó con otros artistas y realizó cuadros de temática histórica como Defensa del Parque de Artillería de Monteleón (1884) y El grito del palleter (1885 basada en un personaje histórico, relacionado a la lucha contra la invasión francesa de Valencia). 

Defensa del Parque de Artillería de Monteleón,

por la que le concedieron una medalla de la Exposición

Nacional, y donde Sorolla muestra los últimos

momentos de Pedro Velarde.

En 1889, finalizó su etapa de formación y comienza su etapa de consolidación,  en la cual pintó Los guitarristas, de la serie Costumbres valencianas, obra con elementos comunes – el ambiente festivo y distendido del motivo – con El almuerzo de los canotistas, pintado por Auguste Renoir en 1881. La diferencia es la recreación del entorno, Sorolla destaca en el cuidado por lo detalles, tanto el realismo del patio, con profusión de azulejos y botijos, como el de la vestimenta de los personajes, especialmente las pañoletas y los abanicos.

En 1894 viajó a París, este viaje fue decisivo para el desarrollo de su carrera, contactó con la obra de distintos artistas de estilo naturalista, como John Singer Sargent, artista estadounidense que vivió en Europa, y el sueco Anders Zorn, quién fue reconocido por el tratamiento de la luz , sus reflejos en el agua y los cuerpos desnudos, también entonces conoció la pintura impresionista, abandonó los temas anteriores y comenzó a pintar al aire libre, se influenció por la luz y el color del Mediterráneo. Son estas obras de colores claros y pincelada vigorosa que muestras escenas a orillas del mar las que más identifican a Sorolla. Este estilo al que rápidamente se le relaciona, fue llamado en España iluminismo, era realista, y se relacionaba con figuras populares, por ello se retrataba gente de pueblo y sus oficios, esto lo llevó a interesarse por los problemas de las clases bajas. Algunas obras suyas en esos años expresan una crítica a las injusticias que percibía en la sociedad, por ejemplo Otra Margarita (1892), Trata de blancas (1894) y Aún dicen que el pescado es caro (1895), y en otras la crítica está incluida en muestras de la vida de los trabajadores, como La fuente, Buñol (1895) y Cordeleros de Jávea (1898).Estas obras estuvieron influenciadas por su amigo Blasco Ibáñez.

Trata de blancas (1894). El autor se adapta al realismo social,

dominante en los certámenes de la época. Mantiene su temática

costumbrista y así aporta denuncia social.

Sorolla pintaba al aire libre, preferentemente en El Saler o Malvarrosa, dos playas de Valencia. En dichas playas pintó en la década de 1900, considerada su etapa de culminación, algunos de los motivos que lo convertirían en un pintor enormemente popular: niños bañándose en el mar y pescadoras con sus hijos, con reflejos del sol y el agua en los cuerpos desnudos de los niños y las vestimentas de las mujeres. Los colores y las sombras no eran compactas sino pintados con gran variedad de colores. Entre sus obras más conocidas están El niño de la barquita (1904), Nadadores (1905), Niños en el mar (1908), Pescadora con su hijo (1908), Niños en la playa (1910).

Tras su primera visita a Sevilla, donde visitó el Alcázar, y del que pintó algunos motivos de sus jardines, como Fuente Alberca del Alcázar (1908), Sorolla se aficionó a pintar vistas de jardines, de lugares públicos como de jardines privados. Unos años más tarde pintó motivos de jardines de la Alambra de Granada, como El patio de Comares (1917), y nuevos motivos del Alcázar de Sevilla.

Sorolla también ejerció como retratista, pintó una serie de autorretratos, así como retratos de su familia, como en  Mis hijos (1904), donde se ve a su hijo y  sus dos hijas en su hogar ,pintó también a su esposa Clotilde en Retrato de Clotilde y Clotilde con traje de noche (ambas 1910), en Paseo a orillas del mar (1909)se ve a su esposa y a su hija Elena paseando, con vaporosos vestidos blancos, por una playa de Valencia y también pintó a su hijo en Joaquín Sorolla y García sentado (1917). También hizo retratos de personalidades españolas: el rey Alfonso XIII, los escritores Juan Ramón Jiménez, Vicente Blasco Ibáñez, y José Ortega y Gasset, la cupletista Raquel Meller, y la actriz María Guerrero. En E.E.U.U. retrató al presidente William Howard Taft y a Louis Comfort Tiffany.

Desnudo de mujer de 1902, durante su etapa de culminación

Niños en la playa (1910).Museo del Prado. Las escenas de playas levantinas y los efectos impresionistas de luz reverberante, son características del arte de Sorolla

Pescadora con su hijo, 1908

Retrato de Raquel Meller

Una exposición en París con multitud de obras le dio un gran reconocimiento en Europa y Ámerica. Esto hizo que expusiera varias veces en estos lugares. La Hispanic Society of America le encargó catorce murales de temas regionales para adornar dicha institución, este encargo fue la obra más importante que realizó en su carrera. Para hacerlo necesitó seis años, de 1913 a 1919. Su título es Visiones de España y muestra las prácticas y tradiciones de comarcas españolas. 

Castilla. La fiesta del pan (1913).

En esta época pintó una serie de motivos del jardín de su propia casa, con el título común de Jardín de la casa Sorolla (1919 y 1920).

Cuando terminó los trabajos para la Hispanic Society, trabajó como profesor de composición y color en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, no pudo ejercer durante mucho tiempo ya que en el año 1920 mientras pintaba el Retrato de la señora Pérez de Ayala (la cual quedo inacabada) sufrió un ataque de hemiplejía que marcó su vida y le impidió pintar hasta el día de su muerte , el 10 de agosto de 1923 , en Cercedilla, con 60 años.

Retrato de la Señora Pérez de Ayala (1920) quedó ina-
cabada por el ataque de hemiplejía de Sorolla.