29 abril, 2011

La clase de danza


La danza es un tema muy utilizado por Edgar Degas, y le dedicó la mitad de su obra. Pero dentro de esta se sentía más atraído por los ensayos y no por las bailarinas en escena.
La clase de danza es una de las obras donde Degas empieza a representar el movimiento de forma magistral.
Degas comenzó el óleo y lo concluyó entre 1876 y 1975; mide 85x75 cm y se encuentra expuesto en el Musée d´Orsay, Paris.



ANÁLISIS DEL CUADRO


En el centro del salón se encuentra Jules Perrot, el profesor de danza, junto con María Taglioni, estrella del ballet.
El maestro tiene un bastón y lo representa hablando con una bailarina enmarcada en la puerta. Aunque la mayoría de las bailarinas no prestan  atención al profesor. En el fondo podemos ver un grupo de relajadas bailarinas acompañadas de sus madres (muy típico en la época ya que el ballet no era una actividad respetada).
También podemos observar una bailarina con los brazos en jarras en el grupo de bailarinas del fondo imitando a la bailarina del primer término, creando una diagonal muy sutil en la línea del entablado.
Las paredes son verdes y las columnas de mármol colocadas sucesivamente de forma vertical dirigen nuestra mirada hasta la chica que está de pie en el fondo ajustándose el collar.
Podemos apreciar la influencia de grabados japoneses por la inclinación del suelo, el desequilibrio y la asimetría de la composición.
Degas utiliza el contraste del espacio vacío de la parte inferior derecha y el resto del cuadro ocupado por las  bailarinas (este recurso es muy utilizado por Degas) y la composición del fondo.
Utiliza colores cálidos con la finalidad de aportar a la obra una atmósfera de intimidad contrastando a su vez con los vivos colores de los lazos de las jóvenes bailarinas del primer plano en estas se puede observar el gran realismo de los obras de Degas viendo con que asombroso realismo la bailarina sentada en el piano se rasca la espalda

El comocido artista Vicent van Gogh




Autorretrato, 1887
Vincent Willem van Gogh  nació en Zundert  (Países Bajos) el 30 de marzo de 1853 y murió en  Auvers-sur-Oise (Francia) el  29 de julio de 1890.Viene de una familia de clase media y numerosa, teniendo 6 hermanos, él siendo el mayor de ellos.  Su padre Theodorus van Gogh y de Anna Cornelia Carbentus le enviaron a diversos internados ya que durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular. Con los 15 años dejó los estudios y poco después se fue a La Haya a trabajar en la galería de arte Goupil.

Fábrica en Asnieres, 1887

En 1880 se estableció en Bruselas, donde hace amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard, manteniendo con él una larga relación. También estudió dibujo y perspectiva en la Academia de Bellas Artes. Durante este periodo realizó dibujos y pinturas representando campesinos, mineros, modelos de la vida cotidiana, utilizando colores oscuros.
En este mismo año vuelve a Etten y en este periodo visita a su primo Anton Mauve quien le aconseja sobre la pintura. Su primo también le ayudará durante su periodo en La Haya, dándole buenos consejos e insistiéndole en la importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. 

Naturaleza muerta con uvas, 1887
Empezó a realizar las primeras acuarelas y naturalezas muertas, con tonos apagados.
Durante su periodo en Drenthe (donde se refugió después de finalizar su relación con Clasina María Hoornik) pintó temas paisajistas en óleo. Utilizó trazos gruesos y pinceladas espesas para plasmar todos los detalles.
Pero después de 3 meses decide volver a la casa paterna, en Nuenen (donde su padre había sido trasladado). Aquí afrimó su vocación por los temas rurales, en los que une la piedad, inquietud social y rotundidad expresiva. Se dedica, junto a Anthon van Rappard, a estudiar y pintar a los tejedores rurales, aprendiendo de su amigo. También empieza a pintar retratos.
En 1885 llegó a Amberes, donde tendrá su pequeño taller alquilado (el alquiler lo pagaba su hermano Theo). Se dedicó a copiar modelos de yeso de escultoras antiguas. Descubrió las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas le abrieron la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda.
En el año 1886 se mudó a Paris. Allí al principio pintó flores y naturaleza muertas, y así consiguió mejorar contrastes de colores complementarios. Vivió con su hermano Theo, y durante este tiempo tuvieron varios conflictos, así Van  Gogh estaba ansioso de pintar la luz contrastada de aquel sur.
Hace amistad con Pissarro y Signac, gracias a los cuales cambia su paleta de colores, empezando utilizar colores más ricos y luminosos. También pintó paisajes urbanos del barrio Montmartre y naturalezas muertas, con colores más vivos (rojos, amarillos, azules y complementarios), de forma que resaltaba la intensidad del clima artístico de París.

El puente de Trinquetaille, 1888


En febrero de 1888 Van Gogh se mudó a Arles, donde capturaba el paisaje y la gente retratado su aislamiento y soledad, empezando a utilizar pinceladas onduladas  y los amarillos, verdes y azules.
En Arles se dedicó a pintar retratos, pero le resultaba más difícil hacerlo ya que nadie quería posar para él, sobre todo las mujeres. Durante el verano pintó paisajes al aire libre, colocando la parte arquitectónica (casas, iglesias, pueblos) al fondo del cuadro. Esta vez, consiguió más contraste usando colores como azul, púrpura y amarillo.

Vista de Arles con lirios en primer plano, 1888

En este periodo de su vida fue cuando su convivencia con Gauguin empeoró, teniendo un conflicto en el cual Van Gogh perdió el lóbulo de la oreja, aunque todavía no se sabe exactamente cómo, ya que hay muchas teorías sobre este incidente. Estuvo internado en el hospital Hôtel-Dieu durante 14 días. Después de cuatro semanas volvió a ser internado debido a síntomas de manía de persecutoria, se imaginaba que lo querían envenenar. Más tarde volvió a ser internado otra vez en el mismo hospital para un periodo de seis semanas. Van Gogh decidió internarse debido a sus problemas psiquiátricos al hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, pero esto no le impidió pintar. Su pintura de este periodo duro de su vida se caracteriza por la presencia de remolinos y temas como los pinos, cipreses, troncos. Le pidió a Theo que le enviase unas lámianas de reproducciones, ya que sintió la necesidad de copiar a pintores que él admiraba.
Campo de trigo con cipreses, 1889
En la primavera del año 1890 se instala en Áuvers-sur-Oise, donde el doctor, y más tarde su amigo, Gachet se ofrece a cuidarlo. En tan solo dos meses pintó más de setenta cuadros, en los cuales pintó el jardín de la casa del doctor, al doctor, a su hijo Margarita, la iglesia.
Debido a la ruptura de la amistas del artista con el doctor, empeoró la depresión de Van Gogh y el día 27 mientras paseaba por el campo, se dispara en el pecho, muriendo dos días después en la presencia de Theo. Para él, el dolor provocado por la pérdida  de su hermano fue demasiado grande y murió seis meses más tarde. Fue enterrado al lado de van Gogh.
   
 CURIOSIDADES…

  •  Recibió  el mismo nombre que su hermano nacido muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo.
  • Empezó su carrera de artista gracias a su hermano Theo, que le ayudó económicamente.
  • Intentó seguir la carrera religiosa de su padre. Fueron 650 cartas para Theo.
  •  Se cree que pintó más de un tercio de su producción en sus primeros trabajos.
  • Empezó a intercambiarse cartas con Theo a partir de 1872.
  • Hizo 1600 dibujos.
  • Pintó 900 cuadros, de los cuales 27 son autorretratos y 148 acuarela.
  • En los últimos treinta meses de vida realizó 500 obras y firmó 79 cuadros en sus últimos 69 días.

FUENTES: Imagge&Art, The Vincent Van Gogh Gallery y Wikipeia.

Edgar Degas



Edgar Degas nació en Paris el 19 de julio de 1834, y murió el 27 de septiembre de 1917 fue un escultor y un pintor francés. Es conocido por su visión del mundo del ballet captando escenas bellas y sutiles en sus obras al pastel.
Sus dibujos magistrales y su análisis perspicaz sobre el movimiento en sus obras le convierten en uno de los maestros del arte moderno de finales del siglo XIX.
Creó una alternativa relacionada con el impresionismo debido a su formación clásica y su rechazo a la pintura al aire libre.
Degas estudió en la escuela de bellas artes y fue aquí donde pudo desarrollar una técnica que se convertiría en una de las características de su arte. 
A partir de 1865 se vio influido por el impresionismo, dejando los temas académicos y dedicándose plenamente a una temática contemporánea. A partir de aquí fue cuando empezó a ganarse el respeto del mundo del arte convencional.
En 1870 cerca del final de la guerra Franco-Prusiana, Degas se alistó en la guardia nacional quedándole poco tiempo para dedicarse a la pintura, en este periodo le diagnosticaron problemas de visión.
Va a visitar a su hermano después de la guerra a Nueva Orleans realizando muchos trabajos. Regresó a parís en 1873.
Degas se vio obligado a vender su casa y una colección de arte heredada al descubrir tras la muerte de su padre, René, las grandes deudas que este tenía.
Al pasar el tiempo Degar se aisló de su vida social al pensar que un pintor no puede tener vida personal. Nunca se caso y su grado de ceguera empeoró hasta casi dejarle ciego “vagando sin sentido por las calles de París”.



SU ESTILO

Degas se sentía atraído por los temas del teatro, esto se ve reflejado en sus obras ya que se dedicaba a representar teatros, cafés, teatro de variedades, gabinetes o carreras de caballo etc. Intentaba atrapar las posturas más naturales y espontaneas de sus modelos (sobre todo mujeres) manteniendo la más absoluta objetividad.
Sus obras normalmente presentan bordes cortado como se ve en:


                 Bebedores de absenta






Ensayo de ballet

En los 80 trabajó con dos medios nuevos, el pastel, el óleo y la escultura, ya que no requerían una gran visión, compensado su ceguera.


PASTEL: sus obras son simples con pocas figuras, ayudándose de colores brillantes y gestos expresivos. Estas obras son de una elocuencia, expresividad y grandiosidad no alcanzadas hasta este momento, a pesar de sus limitaciones


                                       



.



ESCULTURA: en estas obras intenta atrapar la acción del movimiento representando bailarinas, desnudos femeninos para evidenciar los esfuerzos físicos realizados por sus modelos. 














ÓLEO: el autor lo emplea sobre todo para desnudos. Resulta perfecto para evidenciar su interés por la realidad, el dibujo. Aunque dejó esta técnica para dedicarse a pintar en pastel






Niños en la playa, Joaquín Sorolla

Autor- Joaquín Sorolla
Año-1910
Lugar-Museo del Prado, Casón del Buen Re
Corriente-Pintura del siglo XX, impresionismo
Técnica-óleo sobre lienzo





 Este cuadro es de una de las etapas más fecundas y exitosas del autor, tras su inolvidable exposición de Nueva York en 1909. Representa uno de los géneros más populares de Sorolla y en él se plasma lo mejor de su arte, la figuración de personajes (sobre todo niños) al borde de las olas de la playa y el gusto por las escenas llenas de luz.
En la pintura se ven tres niños desnudos tumbados en la arena de una playa a orillas del mar, disfrutando de los últimos golpes de las suaves olas.
Es una escena al aire libre, el estilo plein air tan característico en los impresionistas.Lo más destacado del cuadro son las sombras, en tonos azules y violáceos. Se capta la sensación de evaporación sobre los cuerpos mojados, transmitiendo la sensación de que están dentro del agua, por los reflejos acuosos en los cuerpos. Las grandes y continuas pinceladas forman los cuerpos de manera rápida y poco minuciosa, así los cuerpos se funden con las olas del mar y eso hace al conjunto sereno y tranquilo, además esta pincelada larga hace que la obra tenga una gran expresividad. El color fue aplicado con mucha perfección, lo cual caracterizó mucho al autor en las escenas de exteriores. En esta obra sobresale el pelo rubio del chico en el centro del cuadro, ya que el color se confunde con la arena.
Otra característica es la expresión de los personajes. En esta obra se aprecia en la mirada del chico de en medio, que tiene una cara sin definir y en el que se aprecia una sonrisa hacia otro de los niños . El chico rubio y de piel clara se apoya en el codo y mira hacia los otros dos niños, los cuales son muy morenos y cuyos cuerpos están en otra dirección, este está perfilado con mayor detalle, la planta y dedos de los pies y los músculos de las piernas, muslos y glúteos en la arena. El tercero permanece ajeno a la escena. Los dos chicos morenos se encuentran semienterrados en la arena por lo que sus cuerpos no están tan definidos.

El comienzo de todo... Claude Monet






Claude Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Con 15 años ya vendía caricaturas y se le conoció por bosquejos de barcos. Como en sus primeros años estuvo cerca del agua, este 
elemento influyó más adelante en sus obras.


Caricatura del notario Léon Marchon,
 1855/1856, Art Institute of Chicago


En 1859  ya había decidido comenzar a ser artista y para ello pasó largas temporadas en París. En la década de 1860 se relacionó con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que luego fueron impresionistas: Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Gracias a la influencia de estos autores sus obras hasta la mitad de la década de 1860 son de estilo realista. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales, logró exponer algunas de ellas en el Salón de París. Estas obras pertenecen al realismo pictórico del cual se fue alejando.

   
Camille con vestido verde, 1866, Kunsthalle Bremen


 A finales de la década de 1860 comienza a pintar obras impresionistas. Un ejemplo es la vista del puerto de El Havre títulada Impresión, sol naciente, que le dio más tarde nombre al movimiento. Pero, a medida que su estilo evolucionaba, Monet ignoró los convencionalismos artísticos tradicionales por  una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. Así le dio la espalda a una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. Esta desviación del gusto de la época, empeoró su situación económica. Un ejemplo de esto son los cuadros sobre la Grenouillère(en el museo d’orsay, parís y museo 
metropolitano de Nueva York)


La Grenouillère-1869
75 × 100 cm, óleo sobre lienzo
Metropolitan Museum of Art en Nueva York

En la década de 1870 expuso sus cuadros en exposiciones de arte impresionista donde también estaban Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas, fueron organizadas por artistas impresionistas para atraer al público. Ellos se llamaban independientes, aunque la prensa los denominó  burlonamente impresionistas por el aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y por una obra de Monet llamada Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). En este período sus composiciones poseen una estructura libre, aplica el color sin mezclar sobre un lienzo con una capa de blanco puro, esto hacia que hubiera más luminosidad y que aumentara la apariencia rota y sin armonía. Daba pinceladas visibles y poco definidas, esto se debe a la rapidez e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar la naturaleza. Su estilo se caracterizaba por la luz y la paleta colorista la cual utilizó para captar los efectos ópticos de la luz sobre un paisaje o una panorámica urbana.

Impresión, sol naciente-1873
48 × 63 cm, óleo sobre lienzo
Museo Marmottan Monet en París

En la mayor parte de su carrera, Monet vivió en la pobreza, sus obras, al igual que las de otros artistas no seguían el estilo clásico preferido por el públicoy fueron ignoradas por los compradores. Tras la guerra franco-prusiana en 1871 los precios subieron y hasta algunos obras impresionistas consiguieron venderse a precios altos. El mercader de arte Paul Durand-Ruel, compró durante años obras de Monet y otros artistas rechazados. No pagaba mucho, pero esto permitía vivir a Monet. Pero en 1873 Durand-Ruel retiró su apoyo a los impresionistas por la crisis económica francesa, que afectó al mercado de arte.

Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, como a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. Algunos ejemplos de esta época son El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el maestro del impresionismo, alcanzó un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar del colorido y  la simplicidad de sus composiciones, se le valoró por su perfección y por no sacrificar la complejidad de la naturaleza ni la intensidad de sus sentimientos.

  • El deshielo en Vétheuil, 1881
  • Óleo sobre lienzo, 60 x 100 cm
  • Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


En 1890 adquirió una propiedad en  Giverny, cerca de París, donde se estableció, allí construyó un jardín—un estanque con nenúfares con  un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú-que luego utilizó como modelo en sus obras. En esta casa le visitaron importantes coleccionistas como Matsukata Kojiro y tuvo un mayor reconocimiento.Su situación económica mejoró en esta época ya que Durand-Ruel reinició su apoyo a los impresionistas

Puente japonés
1899-1900



Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la estación de Saint-Lazare, el Sena— mostrando  luces  a distintas horas del día, condiciones meteorológicas o estaciones del año. Otra de estas series y una de las más conocidas es la de la Catedral de Ruán.
La Catedral de Rouen-1894 

Museo Pushkin de Moscú

     En 1906 inspirado en el jardín de Giverny comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En esta época Monet estaba casi ciego pero aún así esta serie es la culminación de su arte, en ella abandona la figura humana y recrea la naturaleza de forma distorsionada por su enfermedad, por ello 
resultaban obras de gran formato con un estilo suelto y un aspecto abstracto con intensidad.


Los Nenúfares-1920
200 × 427 cm, óleo sobre lienzo
National Gallery en Londres

A pesar de que la vista le fallaba, continuó pintando casi hasta su muerte, el 5 de diciembre de 1926 en Giverny.

Estilo
Fue el pintor más puramente impresionista. Llevó al máximo la expresión de los estados transitorios de la luz natural y en su obra el factor dominante es el esfuerzo por incorporar una nueva visión, sobre todo el carácter de la luz. De  los impresionistas, Monet fue el que más practicó el pleinerismo, es decir el plein-air (en francés: 'aire pleno, total' y también aire libre). Gracias a la invención de nuevos óleos y temperas en la Revolución Industrial Monet fue un gran paisajista, ya que con estas nuevos materiales puede pintar al aire libre sin que se sequen u se oxiden. Aunque  también se requería el genio para la pintura del plen-air, el cual poseía Monet. Al aire libre pudo observar y plasmar rápidamente los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por eso que su obra posee una vitalidad llena de armonía.


Lo más destacado en su obra fue que captaba muy bien la luz cambiante y transformada. Trabajó directamente con la naturaleza y algunos de los últimos murales que realizó, son muy abstractos por sus formas flotantes y los reflejos de las superficies.

Influencia
Monet y su obra fueron una fuente de inspiración para otros impresionistas y para otros artista vanguardistas del SXX, además influenció en otros como Kandinsky o el francés Jean Fautrier , además fue visto por la crítica como un visionario y su importancia fue decisiva en el desarrollo de la abstracción. Su influencia se extiende incluso a la literatura.

                                                                                                                                                                                                                     


28 abril, 2011

El pensador

El pensador
En el año 1880, se le fue encargado a Auguste Rodin por el estado francés realizar un relieve para decorar la entrada del Museo de Arte Decorativa de Paris que iban acrear, aunque luego tal museo nunca existió.
Esta escultura estaría basada en la Divina Comedia. Cada una de estas esculturas, que nunca llegaron a ocupar el sitio para el que habían sido creadas, pretendian representar a cada uno de los personajes de la Divina Comedia, no obstante de este encargo surgieron piezas que de forma independiente se transformaron en iconos de las esculturas modernas como son:


El pensador            




El beso



La eterna primavera


El pensador es una de las obras más importantes de Auguste Rodin, aunque inicialmente este no fue su nombre, sino “el poeta”, para despues llamarsa “Dante el pensador” pues esta pieza fue creada para estar en medio de una seria de esculturas de condenados, meditando su destino. Busca representar a Dante, personaje de la Divina Comedia, frente a las puertas del infierno, que es como llamó al portal del que formaría parte. Es un desnudo puesto que Rodin quería crear un figura heróica al estilo de Miguel Ángel para representar el pensar y la poesía.
Esta escultura fue modelada primero en yeso en 1880. La primera escultura a escala se creo definitivamente en 1902 y esta fundido en bronce, aunque no fue publicada hasta el año 1904. Pero ahora existen más de veinte versiones del pensador en todo el mundo, unas entan ampliadas y en otras cambian sus proporciones
La obra presenta el gusto del autor por lo no acabado. Rodin dijo de esta: “un hombre desnudo sentado sobre una roca (...) su cabeza sobre su puño, preguntandose. Pensamientos fétiles lentamente nazen de su mente. Él no es un soñador. Él es un creador.”























ANÁLISIS  DE LA ESCULTURA

La escultura presenta a primera vista una actitud de meditación, mientras es personaje permanece impertubable dando a entender que se encuentra sumido en las profundidades de sus pensamientos librando una batalla entre ellos. Simboliza un acto transcendental de un hombre pensando por toda la humanidad, y ese mismo acto de pensar eleva al hombre por encima de los animales. Por lo que esto significa la luz del primer pensamiento.

En la escultura representa superficies rugosas y con un juego de luces acrecenta ese aspecto de erosión.
El pensador además de estar en una actitud de meditación, representa tambien una tensión y esto se puede en que no tinene una postura relajada, a pesar de estar sentada, lo que se puede ver claramente un  ejemplo para demostrarlo es que ambos brazos se descansan sobre la misma pierna.
 Rodin realza su escultura con un juego de luces y sombras porque según él con la luz es con lo único que se puede obtener la profundidad en la escultura. Esta escultura debe ser estudiada en función de la luz en las superficies rugosas, contra las que se tropieza, produciendo estas una serie de sombras, que nos muestran un espíritu inquieto.